近一个世纪之前，陈寅恪先生在《陈垣敦煌劫余录序》中写道：“一时代之学术，必有其新材料与新问题。取用此材料，以研求问题，则为此时代学术之新潮流。”如果百年之前的情况是敦煌文献和敦煌艺术的新材料将引出新的研究问题，今天的情况则是经多几代学人的积累，基础性调查和材料整理已相当充盈，需要更多以研究中产生的新问题带动对材料的再发掘。巫鸿的这部新作通过“空间”这一角度，调动读者自身经验，从敦煌城一路向西，来到凿有数千洞窟的鸣沙山；面对扑面而来的崖壁展开历史想象，并以人的身体为尺度，进入不同时期的洞窟空间，感受洞窟的功能、性质和参观方式的明显变化。在洞窟中，身体参与感知雕塑和系列壁画以及它们之间的关系，最终目光视线落在单幅画面上，进入画面内部空间，完成精神层面的观看意义。因此，书中虽然广泛借助和征引了关于敦煌研究的原始材料，却试图从新的层面显示它们的意义，激发读者调动自己的身体和眼睛，在阅读中开启一趟敦煌莫高窟的历史文化之旅。

◆ 编辑推荐

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美术史家巫鸿全新力作

一场跟随穿衣镜的时空漫游

崭新视角串联奢侈品、绘画和影像

聚焦全球贸易流通中关于镜像的视觉想象与艺术创造

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◆ 内容简介

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从凡尔赛到紫禁城，穿衣镜是否为东西方联合创造的结果？

从怡红院到养心殿，镜屏如何引发中国人关于真与 幻的文学和艺术想象？

从欧洲到全球，穿衣镜摄影模式怎样在世界范围内流行起来？

从程式到主体，摄影师和艺术家如何以镜子表现个人身份和主观意识？

有座架、可移动的落地玻璃镜被发明，并通过跨国贸易在世界上流通，物品、绘画和摄影由此在全球历史进程里串联起来。帝王、艺术家、作家和民众在与镜像相关的视觉联想和艺术创造中，构建出繁复无尽的时空幻象，既参与着曾经发生和正在发生的事件，又总是映射着超乎现实生活的信息。

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◆ 专业评论

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在巫鸿的研究里，穿衣镜这一不为传统艺术史关注的器具获得了新的生命，它的“物”与“像”串联起世界贸易、新的再现媒介和现代人多元化的自我表达方式，同时也对艺术史的叙事本身提出新的要求。

——吴雪杉（中央美术学院人文学院教授）

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他的著作打破了按照材质分类，按照西方概念讲述中国故事的传统，从基本结构上改变了西方中国美术史传统写作的范式，正在构成一种具有历史关怀的、生动新鲜的叙事。不仅如此，以他为代表的这一代学者甚至在对世界范围内整个美术史学科的走向产生重要的作用。

——郑岩（中央美术学院人文学院教授）

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巫鸿教授有关中国美术的相关研究，跨越上古与中古时期的墓葬美术、宗教美术与传世书画艺术，兼及史前时代的玉器文化与当代实验艺术，其开拓领域之广、研究力度之深，可谓前所未见。他在研究方法上，引入了当代人类学的思维与视角，创造性地将绘画、雕塑、器物与建筑有机整合为一体，从而发展出一套适用于美术史学科的、能够打通微观研究和宏观叙事的“中层研究”方法论体系，使图像、器物与建筑空间的研究能够与人和时代的精神、思想和文化相联通。

——李清泉（广州美术学院美术研究所教授、艺术与人文学院院长）

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巫鸿并未把艺术品作为多样而变化中的世界观的图解。相反，艺术品在他手里成为了历史中的演员和创造者，而不仅仅是历史的标志物。

——伊万兰•卜阿（Yve-Alain Bois，哈佛大学美术史与建筑史系前系主任，现普林斯顿高等研究院研究员）

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巫鸿希望的，是通过分析美术材料本身找到一条可以跟随的线路，寻找视觉材料内在的演变路径。换句话说，也就是把美术演变的轨迹从这些概念中剥离出来，在美术中说明一个精神性的“中国”。

——胡一峰（《中国文艺评论》杂志副主编、编辑部主任）

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他在方法论上兼具中国传统美术史和美国美术史的研究方法的优点，重视人类学和美术学的跨学科融通，并且推陈出新，形成了自己的独特方法论。

——朱志荣（华东师范大学中文系教授、美学与艺术理论研究中心主任）

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巫鸿先生在解读中国画史名迹时不仅注意重新审视传统的读画方式和内容实质，还充分注意到绘画媒介形式的物质性特征，将绘画置于一种由创作者、观赏者共同参与动态过程，从而丰富和提升了鉴赏这幅名画的内涵和意义。

——赫俊红（中国文化遗产研究院研究员）

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◆ 媒体评论

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巫鸿认为作为处理历史材料的研究者，终能够改变西方中心格局、建立全球性美术史的途径并不是以抽象思维的方式推演出一套理论话语，而是通过对于历史的具体的作品，通过考古材料，通过历史上的书写进行具体分析，从中提炼出多元性的美术史的概念和叙事方式。

——雅昌艺术网

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巫鸿是一个有着特定的视角和兴趣，并将这种视角和兴趣沿用到极为多元的研究对象之中的学者。

——《燃点》

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在如今更趋多样化的美国学界，芝加哥大学的巫鸿教授可谓是活跃的一个中国艺术学者。他的研究领域跨越了古代与现当代的壁垒，以人类学的研究方法贯穿始终并互为借鉴。

——《艺术新闻（中文版）》

Traditionally the "Chinese body" was approached as a totality and explained by sweeping comparisons of the differences that distinguished Chinese examples from their Western counterparts. Recently, scholars have argued that we must look at particular examples of Chinese images of the body and explore their intrinsic conceptual complexity and historical specificity. The twelve contributors to this volume adopt a middle position. They agree that Chinese images are conditioned by indigenous traditions and dynamics of social interaction, but they seek to explain a general Chinese body and face by charting multiple, specific bodies and faces. All of the chapters are historical case studies and investigate particular images, such as Han dynasty tomb figurines; Buddhist texts and illustrations; pictures of deprivation, illness, deformity, and ghosts; clothing; formal portraiture; and modern photographs and films. From the diversity of art forms and historical periods studied, there emerges a more complex picture of ways that the visual culture of the body and face in China has served to depict the living, memorialize the dead, and present the unrepresentable in art.

《作品与展场:巫鸿论中国当代艺术》收集了作者近年来重要的艺术批评论文15篇，从艺术作品和艺术展览两个维度出发，以宽阔的历史视野，明快的理论气质和平实的写作风格，为我们提供了了解中国当代艺术批评的一个值得关注的文本。文集通过大量史实和配图回答了诸如为什么当代艺术是"当代"？中国当代艺术有什么独特之处？什么是"实验性"展览？作品和展场的关系何在？等诸多问题，这些不仅是研究中国当代文化和艺术的人所必需涉足的课题，也是关注和了解中国当代艺术现状最合适的途径。

Product Description In the first exploration of Chinese paintings as both material products and pictorial representations, The Double Screen shows how the collaboration and tension between material form and image gives life to a painting. A Chinese painting is often reduced to the image it bears; its material form is dismissed; its intimate connection with social activities and cultural conventions neglected. A screen occupies a space and divides it, supplies an ideal surface for painting, and has been a favorite pictorial image in Chinese art since antiquity. Wu Hung undertakes a comprehensive analysis of the screen, which can be an object, an art medium, a pictorial motif, or all three at once. With its diverse roles, the screen has provided Chinese painters with endless opportunities to reinvent their art. The Double Screen provides a powerful non-Western perspective on issues from portraiture and pictorial narrative to voyeurism, masquerade, and political rhetoric. It will be invaluable to anyone interested in the history of art and Asian studies.

《走自己的路:巫鸿论中国当代艺术家》是历史学家、美国芝加哥大学讲座教授巫鸿先生第二部以中文出版的当代艺术论文集，这部以艺术家为主体的批评著作，展现了他观察中国当代艺术的特殊角度和全景视野。 《走自己的路》是艺术史家巫鸿先生第二部以中文出版的当代艺术论文集，它与《作品与展场》一起构成了他观察中国当代艺术的特殊角度和全景视野，与后者比较，这部以艺术家为主体的批评著作，由于他的史学眼光、态度和方法，似乎具备了更多的“史传”色彩，譬如，在“展望的艺术实验”中他有趣地提出了他的研究和研究对象应该共同遵守的“原则”。

位于内蒙古赤峰市阿鲁科尔沁旗宝山县的宝山辽墓的发现，为古代中国美术史和东亚美术史的研究提供了极其宝贵的材料。本书将宝山辽墓壁画放在墓葬整体中进行审视，讨论的重点包括绘画与建筑的互动和画像程序、绘画的风格与画者的身份，以及壁画与墓葬赞助人的文化背景、当时政治环境及辽代礼仪风俗的联系。宝山辽墓不但改变了以往对辽代初期艺术水平和风格的理解，而且也为我们思考十世纪东亚地区的文化交流和艺术发展提供了极其重要的形象资料。

《礼仪中的美术》（精装版），合平装本上下两册为一册，收录著名美术史家巫鸿教授自1985年以来发表的论文31篇。 这些论文围绕着“礼仪美术”（ritual art）这一基本概念讨论了中国上古和中古美术中的多项艺术传统和形式，包括史前至三代的陶、玉和青铜礼器，东周以降的墓葬艺术，佛教、道教美术的产生和初期发展等。这些论文大量使用考古和文献证据，以扩大美术史研究的广度和深度。作者结合人类学和社会学的理论和方法论，探讨建筑、雕塑、画像和器物等各种视觉形象的组合以及与人类行为及思维的有机联系。其分析对象不再是孤立的物品和图像．而包括了对视觉环境的复原以及对艺术品的创作动因、社会环境、礼仪功能以及观者反应的考察。文章中的讨论往往在两个层面上进行，除了对具体历史问题的考察，还反思有关的学术史和研究方法。相当一批论文从比较文化史的角度探讨了中国古代美术的特殊物质性和视觉传统对重新思考中国美术史的叙事结构具有重要意义。 在西方学界中，这些文章对近年中国古代美术的研究已产生重要影响。全书分为四部分，包括史前至先秦美术、汉代美术、中古佛教与道教美术及古代美术沿革。书后附有访谈录、论文出处。书中插配古代美术品照片、拓片、线图，地图等图像600余帧。

这部文集和《礼仪中的美术》都由三联书店出版，但涵盖的历史时期和讨论的美术作品则有早晚和性质的不同。 前者有着比较明确的历史框架和内容的凝聚感，本集则以概念和方法为主导，所关注的是这些概念和方法之间的关系以及在阐释历史现象、披露历史逻辑中的潜力。 总的说来，这些文章的目的是希望开阔美术史研究的思维，通过探索新的观念和方法，使这个学科的内涵更为丰富和复杂。从这个角度看，每一篇文章可以说都是开放性的：其目的不在于达到某个铁定的结论，而是希望引出更多的思考和讨论。

“美术史”是一个问题吗？ 随着现代社会的形成，美术史作为人文科学的一支新军，也得以在人类最近的历史时期中萌芽并成熟。但是，在著名美术史学者巫鸿的眼光中，这一广受尊重、日显重要的学科本身仍然是一个年轻的问题，其相关讨论还远远没有充分展开。 在《读书》杂志所开的专栏“美术纵横”，巫鸿发表了十篇文章，就美术史何以成为问题、如何拓展其思考的路径、这一问题所置身的波澜壮阔的当代人文场景等等，提纲挈领地阐述了个人的见解。 ---------------------------------------- “如果没有自成系统的方法论和操作规则，美术史作为一个‘学科’的意义就很值得怀疑。” “一个既非进化也非退化的历史。” — 巫 鸿

荣荣，1992年来到北京。两眼睁得大大的，带着一架新买的相机。 “东村”，是中国实验艺术史上的一段神话。在这片破败的家园，荣荣和一群挣扎在贫困线上的艺术家——张洹、左小祖咒、段英梅、马六明等——以行为演出和摄影的方式，给中国实验艺术界带来了直接冲击。 巫鸿以荣荣镜头下的 东村作为特定视角，串联起其“东村”系列的三组摄影作品：1993—1994年原生态环境中的东村艺术家及其艺术创作； 东村艺术家群体被迫解散后，1994—1998年继续的行为艺术项目； 荣荣从“东村”到以后日子里的自摄像。 这份档案的目的，在于探索这些照片在历史层面、艺术层面、自传层面上的诸种意义，它有关内在空间和外在空间之间——关于一个艺术家的内心世界，包括他的美梦、幻想、激奋、焦虑，同一段集体的历史之间——微妙的交互影响。 编辑推荐 ——东村！中国实验艺术的神话。《为鱼塘增高水位》《12平方米》《原音》诞生于此，它开启一个时代。现场珍贵一手记录。 ——艺术史家巫鸿新作。以摄影家荣荣的镜头、日记与书信，串联起充满爆炸性创造力的东村艺术家群体，张洹、左小祖咒、荣荣、马六明，他们用身体和行动写下的分秒时刻。 ——给所有流浪的人。他们怀揣着梦想来到东村，这城市的边缘地带。外人眼中，他们是经济上的苟延残喘者。自己心中，他们雄心勃勃，将成为中国当代艺术的主宰者。这天上与地下的内心对峙，使他们游走在极度自傲与极度自卑之间。

"“我对“墓葬”这个题目的选择有三个基本出发点。一是墓葬文化在古代东亚，特别是古代中国有着数千年的持续发展的历史，在世界上可以说是独一无二。……二是在它的漫长发展过程中，中国的墓葬传统不但锻造出了一套独特的视觉语汇和形象思维方式，同时也发展出一套与本土宗教、伦理，特别是和中国人生死观和孝道思想息息相关的概念系统。……三是墓葬艺术还没有像书画、青铜、陶瓷或佛教美术那样在中国美术史的研究和教学中形成一个“专门领域”或“亚学科”，发展出处理和理解考古材料的一套系统的理论方法。 本书的目的不是根据年代顺序呈现出中国墓葬艺术的发展史，也不是要对目前中国版图内不同历史时期的墓葬类型以及地域性丧葬实践进行全面综述，而是描述和分析不同时代和地区的许多个案。这些案例一方面意在表现中国墓葬艺术的无比漫长和惊人丰富的内涵——这其实是中国艺术中最为漫长和持久的一个艺术传统，同时也将回答我最初所提出的问题：是什么因素界定了我们称为“中国墓葬”的艺术和建筑传统？” — 巫 鸿"

《中国古代雕塑》是“中国文化与文明”丛书之一卷，由中国外文出版社和美国耶鲁大学出版社共同策划、编辑、并分别以中文和英文同时出版，向全世界发行。 全书约40万字。卷首的两篇文章由本书的两位作者撰写，综述中国雕塑发展演变的人文环境和轨迹，供审美观念相异的中西方读者作导读之用。主体部分由上下两编构成，共四章，由当今对中国雕塑研究造诣精深的四位中外学者分别撰写。他们以新的视角和富有启迪性的论述方法介绍了自原始社会至清代各个历史时期中国雕塑的门类、艺术样式、创作成就、时代风格，以及政治、经济、文化、宗教、域外艺术等对其形成的影响。本书兼容了中西方学者对中国古代雕塑研究的最新成果，文中有关新近考古发现和边地雕塑遗存的探讨，揭示出众多鲜为人知的艺术现象，令人耳目一新。 随文配有雕塑遗存图片430余幅，其中大部分为中国摄影家亲往实地所摄或由中国各博物馆提供，流失海外的雕塑的图片，则广泛庋集于美、英、法、日等国博物馆、美术馆、寺庙和私人收藏。集中外中国雕塑藏品图片于一卷，是本书异于已出版的同类著作的特色之一。 书中附有《中国政区图》、《中国历代纪年表》、《中国历代部分帝王年表》、《中国古代雕塑主要遗存分布图》等，以便读者查阅对照。

这是《汉唐之间的艺术与考古》论文集中的第二卷，主题是在这个历史时期内不同文化、艺术传统间的影响和互动。

本书为国际学术会议论文集。主要讨论中国古代汉唐之间有关宗教艺术和通过考古对宗教艺术方面的研究。三国、两晋、南北朝和隋朝，是中国历史上一个极为重要的时期，产生了许多新的文化和艺术现象，本论文集就是针对这些现象的分析和研究。

《古代墓葬美术研究(第1辑)》主要内容简介：墓葬美术是传统中国历时最久、植根最深的一个礼仪美术传统，无论是时间的持续还是地域的伸延，都在世界美术史上无出其右。它也是考古信息最为丰富的一个综合性艺术系统，包涵了建筑、器物、绘画、雕塑、装饰、葬具、铭刻书法以及对身体的处理。《古代墓葬美术研究(第1辑)》所收论文从美术史学和考古学等不同的学科背景入手，既有宏观观察，也有个案分析，展现出多元的解释方法，显示这一新的学术领域广阔的研究前景。《古代墓葬美术研究(第1辑)》由巫鸿和郑岩主编。

本书是继《礼仪中的美术——巫鸿中国古代美术史文编》之后，巫鸿先生在三联书店推出的第二部学术论文集。与《文编》集中探讨中国古美术的“礼仪”功能相比，《二集》的论题侧重考察中国美术中特有的“时空”观念，以及它在不同媒材的图像中的表现和释读。“时空”的观念与表现是巫鸿近十几年集中思考的一个主要问题，他认为这是另一条可供理解中国艺术独特性的线索。 全书分为三部分——上编：时空的形象；中编：观念的再现；下编：图像的释读，所收1992—2007文章15篇，考查对象包括建筑、明器、拓片、画屏、卷轴、册页、摄影等多种形式。与常见的中国美术史研究不同，这些论文没有局限于孤立的门类和史实，而是竭力为这些现象找到自己的传统和脉络，并赋予其宽阔的视野，使阐释更具启发性。这些文章是对《文集》提出“礼仪美术”概念的完善与补充，从而有助于读者更深入地认识中国美术的独特传统。

本书的研究回应从以往武梁祠研究中生发出来的四个主要方面，每一方面对于未来学术的进展都极为重要。第一方面是对武氏家族墓地的遗存进行清点和著录。尽管这些遗存对研究东汉图像艺术是极重要的资料，但相互矛盾的断代、祠堂归属以及编目等诸多问题仍然存在。此外如错录铭文等问题更使人迷惑。通过重新检验发掘记录、以往著录以及复原设计等材料，本书希望为武梁祠和它原本所处的环境，即武氏家族墓地，提供更完全、准确的信息。